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lunes, 3 de diciembre de 2012
miércoles, 21 de noviembre de 2012
VAN DER PLAS GALLERY
VAN DER PLAS GALLERY
Dirección: Muelle 17 de Brooklyn puerto de South Street.
Ciudad: Manhattan, Nueva York
Fundada: 1990
Fundador: Adriaan Van Der Plas
El Van Der Plas Gallery es una iniciativa que comenzó con Adriaan Van Der Plas con venta de arte en la calle en 1984.
Desde 1990, la galería, ubicada en el Muelle 17 en el puerto de South Street que ha sido el hogar de una gran colección de obras de arte contemporáneo y que se especializa en el arte outsider, un arte que "deconstruye" el arte contribuyendo con su influencia al desmantelamiento de
supuestos y postulados elitistas del arte, al tiempo que se incorpora de pleno
al intercambio teórico y artístico actual.
Van Der Plas, influenciado por los artistas que representan la Van Der Plas Gallery como lo son Allen Stamper, Tiggy Ticehurst, Randolph Hubard y Jhon Suchy, presentan un trabajo que refleja la honestidad, la franqueza y una falta de auto-conciencia que nos refresca de forma que los artistas que están respondiendo a las presiones de un mundo del arte académico competitivo a menudo no lo hacen.
Allen Stamper
Stamper es uno de los artistas protagonistas de Van Der Plas Gallery en Nueva York. Su estilo se ve reflejado en los retratos de pintura pues la aplica con gran precisión energética con el fin de darle un toque tanto improvisado como calculado, mientras que el alma de cada sujeto se ilumina con una precisión increíble.
En sus obras se ve lo que él describe como "instantáneas de acontecimientos pequeños que me marcan" se ha dicho que el artista no expresa lo que sus ojos ven sino lo que subjetivamente experimenta.
Para tener la experiencia de presenciar obras como las de Allen Stamper, es recomendable visitar Van Der Plas Gallery en su proxima visita a Nueva York ya que más que una galeria es un espacio en el que hay pasión por el arte que exhibe y es un placer compartirlo con su público.
Bibliografía:
miércoles, 7 de noviembre de 2012
IMPRESIONISMO - JOAQUÍN CLAUSELL
IMPRESIONISMO:
Entre los óleos más destacados que se pueden apreciar están La ola roja, Parque, Fuentes Brotantes y Rocas en el mar y varias pequeñas escenas de su estudio que no llevan título. Los cuadros son parte del acervo cultural del Museo Nacional de Arte.
Una de las obras más destacadas de Joaquín Clausell es "La Ola Roja" la cual es una clara representación de los géneros pictóricos que experimentó el arte mexicano desde el final del siglo XIX.
La obra destella tonos cálidos reveladores con grandes tendencias del movimiento impresionista, el pintor se basa en la naturaleza para representar un estado de ánimo y una fuerza material, la cual no se utilizaba en el paisaje mexicano.
El Impresionismo es un movimiento pictórico francés, que surge a finales
del siglo XIX en Francia. Apareció como reacción contra el arte académico y es
considerado el punto de partida del arte contemporáneo
El impresionismo en la pintura partió del desacuerdo de algunos artistas
con los temas clásicos y con las fórmulas artísticas impuestas por la Academia
Francesa de Bellas Artes. Esta fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las
exposiciones oficiales del Salón parisino.
Los impresionistas, eligieron la pintura al aire libre y los temas de la
vida cotidiana. Uno de sus primeros objetivos fue captar una representación del
mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce
la luz natural sobre los objetos. La luz tiende a difuminar los contornos y
refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra.
Eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, en
este movimiento dejó de ser tan importante el dibujo y comenzó a ser de más
importancia la pintura utilizando para ello los colores primarios como el cyan,
el magenta y amarillo. Además aplicaron los colores complementarios como el
naranja, el verde y el violeta. Con esa técnica lograron dar una ilusión de realidad,
aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y logrando
gran brillo en sus pinturas.
Édouard Manet, considerado el primer Impresionista, utilizaba colores
fuertes y contrastados con los que se podían obtener sutiles representaciones
de luz por la yuxtaposición de colores. Manet fue uno de los artistas
simbólicos de este movimiento y que tuvo influencia en otros artistas también
representantes de este movimiento como Edgar Degas, Claude Monet, Berthe
Morisot, Camille Pisarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley.
IMPRESIONISMO EN MÉXICO:
El impresionismo fue un movimiento que surgió en Francia y que se fue
extendiendo por muchas partes de Europa hasta llegar a America, más
especificamente a EUA en donde hoy en día hay grandes colecciones de este
movimiento en museos como el MET o el MOMA, sin embargo es un movimiento cuyo
alcance y expansión llegó hasta México también influyendo en varios artistas de
la época con este movimiento como Diego Rivera.
El impresionismo europeo llega a México con el final de la dictadura de
Porfirio Díaz y los inicios de la revolución de 1910. Durante esta época
algunos compositores mexicanos de finales del siglo XIX tomaron elementos del
impresionismo francés pero no crearon obras propiamente impresionistas, sino
que hacían recreaciones de estas.
JOAQUÍN CLAUSELL:
Una vez que éste movimiento llegó a Mexico hubo un artísta que adoptó
este estilo, su nombre es Joaquín Clausell, uno de los introductores del
impresionismo en México. Sus paisajes de rico colorido, ofrecen una vigorosa
interpretación del valle de México. Joaquín Clausell es el único pintor
mexicano que dedicó el total de su obra al Impresionismo.
Nació en Campeche en 1866, al concluir el bachillerato se trasladó a la
ciudad de México mientras realizaba sus estudios profesionales. Se dedicó al
periodismo y a la caricatura política, las caricaturas eran una semejanza que
tuvo con Manet. Fundó y dirigió el periódico: “El Demócrata”, en donde publicó
en 1893 un polémico reportaje sobre la represión que sufrieron los indios
tomoches en Chihuahua, lo que le valió ser encarcelado. Con su salida de
prisión cambió su residencia a Nueva York y posteriormente a París. Es en
Francia, alrededor del año 1896, que conoció a Claude Monet, y a Émile Zola
parte del mundo parisino impresionista. Una vez establecido con los
impresionistas, se revela su vocación por la pintura.
A lo largo de su vida como artista, retrató al país incansablemente en
todas las manifestaciones de su prodigiosa naturaleza. Clausell realizó sus obras
con una técnica impresionista muy personal, y de espléndido colorido con el
cual descubrió y expresó una belleza diferente en el paisaje marino.
En sus obras destaca la sensibilidad, intuición, exaltado amor y
profunda comprensión de la naturaleza mexicana. Es el pintor de las
reverberaciones de la luz, de las transparencias del aire, del rico olor de su
vegetación, de las rocas, del agua, aspectos de los cuales nuestro país es
privilegiado.
Las figuras humanas en situaciones de trabajo, guerra, reflexión,
sufrimiento e incluso en momentos de oración y plegaria, son otros de los
recursos frecuentemente utilizados. Sin embargo todos llevan en común una
fórmula y es que están en pleno contacto con la naturaleza.
Entre los óleos más destacados que se pueden apreciar están La ola roja, Parque, Fuentes Brotantes y Rocas en el mar y varias pequeñas escenas de su estudio que no llevan título. Los cuadros son parte del acervo cultural del Museo Nacional de Arte.
OBRA: LA OLA ROJA
Nombre: La Ola Roja
Año: 1910
Material: Oleo sobre lienzo
Medidas: 100x150
Colección: Museo Nacional de Arte
Una de las obras más destacadas de Joaquín Clausell es "La Ola Roja" la cual es una clara representación de los géneros pictóricos que experimentó el arte mexicano desde el final del siglo XIX.
La obra destella tonos cálidos reveladores con grandes tendencias del movimiento impresionista, el pintor se basa en la naturaleza para representar un estado de ánimo y una fuerza material, la cual no se utilizaba en el paisaje mexicano.
Clausell trabaja en esta obra una gran mezcla de tonos cálidos, rojos
tan intensos que tienen una tendencia a ser violetas, naranjas brillantes que
son un perfecto reflejo del sol en un atardecer o amanecer haciendo un
excelente manejo de la luz así como un evidente y claro movimiento en las olas
del mar que cubren la bahía.
La obra cumple con los requisitos impresionistas como el manejo de la
luz, el agua, el movimiento y la representación de un paisaje natural. Ésta
obra puede ser el reflejo de cualquiera de las playas privilegiadas de México,
es en este momento cuando Clausell demuestra que éste movimiento también puede
tomar forma en México y aunque sea proveniente de Francia.
El manejo de la luz es un elemento muy importante de la obra pues es una
característica muy importante del impresionismo en la cual nos cuesta trabajo
detectar si nos encontramos frente a un amanecer o a un atardecer por el
reflejo del sol en el agua, este efecto Clausell lo logra con tonos más claros
y algo de blanco en las orillas de las olas.
El movimiento de esas espumosas olas está muy bien logrado gracias al
contraste de los tonos azules del mar y las nubes con los tonos cálidos de la
arena y el cielo. Utiliza pinceladas algo delgadas en las que hace importantes
combinaciones de tonos entre sí, hay un difuminado típico del impresionismo
presente entre el cielo, las nubes y el mar.
La obra tiene algo de perspectiva aunque no es muy definida, no presenta
un punto de fuga ni gran perfección y definición en las pinceladas. Es una obra
impresionista que rompe con la tradicional forma de representar paisajes en
México, además hay una gran naturaleza presente, se puede apreciar en la parte
superior derecha que acaba de ocurrir una tormenta pero que está
desapareciendo.
Podría transmitir sentimientos de tranquilidad, serenidad y paz aunque
también emociones refleccivas debido al tiempo en el que el artista la realizó
pues México pasaba por momentos difíciles de depresión, guerra y sufrimiento en
1910, se puede analizar cómo después de una tormenta viene un cielo despejado.
OTRAS DE SUS OBRAS
FUENTES:
miércoles, 24 de octubre de 2012
Leonardo Da Vinci vs Miguel Angel Buonarotti - Leda y el Cisne
Leonardo
Da Vinci y Miguel Angel Buonarrotti
Leda
y el Cisne
Paulina
Portillo Orozco
El
siguiente trabajo presenta una serie de diferencias y semejanzas entre dos
grandes artistas del Renacimiento, Leonardo Da Vinci y Miguel Angel Buonarotti,
con respecto a en su obra “Leda y el Cisne” abordando aspectos sobre su
técnica, disciplina, origen y carácter demostrando que ambos genios a pesar de
ser muy diferentes, tienen mucho en común.
I.- RENACIMIENTO Y HUMANISMO:
Se
denomina Renacimiento al periodo de la historia europea, caracterizada por un renovado interés por el pasado grecorromano clásico y
especialmente por su arte, es la manifestación ideológica y literaria del
Renacimiento. Con la llegada del Renacimiento apareció una nueva e influyente clase social constituida por los humanistas. Hasta
entonces, la Iglesia había condicionado toda la vida cultural.
La geometría y otras ramas de las matemáticas ocuparon un lugar esencial en la nueva
concepción de la cultura, se desecho el arte puramente lineal y se busco con
ahínco la forma tridimensional, un efecto
visual de la perspectiva proyectando los objetos tridimensionales sobre un
plano bidimensional.
La
pintura italiana de los comienzos del siglo XV utiliza trabaja en especial con
el fresco, es de gran sencillez, es una técnica que consiste en utilizar yeso,
agua y pigmentos sobre una superficie lisa. Sin embargo, con la pintura al óleo,
una técnica pictórica que consistente en mezclar los pigmentos con un aglutinante a base de aceites, normalmente de origen vegetal, el artista abandona la limitada temática religiosa
y se complace en mostrar el esplendor de la forma, la luz y el espacio infinito.
II. ITALIA RENACENTISTA –
FLORENCIA Y ROMA
La
ciudad de Florencia
es el lugar donde comenzó el Renacimiento a
finales del siglo XIV. El poderío de Florencia estaba basado en sus bancos y en
el manejo de las finanzas. En este aspecto se destacaba la familia de los Médici,
cuya inteligencia para los negocios fue muy importante para convertir a
Florencia en la cuna del Renacimiento por ser un centro cultural, económico y financiero muy importante. Florencia es el núcleo urbano en el que se originó el movimiento
artístico denominado Renacimiento y es considerada una de los puntos mundiales del arte y de la arquitectura.
El Renacimiento italiano comenzó en Toscana principalmente en las ciudades de Florencia y Siena. Luego
tuvo un importante impacto en Roma, que
fue complementada con algunos edificios en el estilo antiguo, y después fuertemente reconstruida por los papas del siglo XVI.
III. LEONARDO DA VINCI Y
MIGUEL ANGEL BUONAROTTI GENIOS DEL RENACIMIENTO:
Leonardo
Da Vinci, (Vinci el 15 de abril
de 1452
- Amboise
el 2 de mayo
de 1519) fue
un pintor, escultor, arquitecto, ingeniero y científico del Renacimiento, fue
un personaje que se destacaba por su profunda pasión por el conocimiento y la
investigación, claros principios que destacaban su obra.
Se
destacó en el campo de la ciencia, sus investigaciones en las áreas de
anatomía, óptica e hidráulica, anticiparon muchos avances de la ciencia moderna
como maquinas para volar, diseño de ciudades y modelos para facilitar el
transporte. Como aprendiz en el taller de Andrea del Verrocchio, su primer maestro,
Leonardo cultivó su apasionada preocupación por la calidad y su interés en
expresar la movilidad vital de la figura humana.
Leonardo se inició en
diversas actividades, desde la pintura hasta la elaboración de grandes
proyectos escultóricos en mármol y bronce, el proyecto escultórico de Leonardo del que más se sabe es
el de una estatua ecuestre que representara a Francisco
Sforza, padre de Ludovico
el Moro así como de su modelo
en arcilla, conocido como el "Gran Caballo, monumento que quedó sin ser
acabado durante varios años, lo cual era típico en Leonardo pues se
caracterizaba por no acabar sus obras principalmente escultóricas.
En esta etapa también estudió la anatomía humana, participando en la
disección de cadáveres de criminales realizando observaciones y apuntes, movido
por su gran curiosidad, estas
investigaciones en el área de la anatomía, le permitieron conocer las proporciones
físicas de las personas, logrando figuras de asombrosa exactitud al representar
la figura humana "ideal" que siempre buscó con proporciones perfectas.
“Da
Vinci dejó una serie de legados, aunque dejó gran parte de su producción pictórica inacabada, fue un
artista extremadamente innovador e influyente aunque se le juzga de nunca haber
acabado muchas de sus obras.”1
Miguel Angel Buonarotti, (Caprese, 6 de marzo
de 1475
– Roma,
18 de febrero de 1564)
fue un escultor, pintor, arquitecto y poeta italiano que dejó impreso en el
arte su fogoso temperamento. Como aprendiz en el taller florentino de su
maestro Domenico Bigordi, más conocido por
el apodo Ghirlandaio, aprendió lo más básico del arte, aprendió a
pintar, moler colores, preparar paredes
entre otras cosas que Miguel Angel no valoraba pero fueron grandes enseñanzas.
S/A.
“Leonardo Da Vinci” [Publicación en línea] Disponible en: http://www.portalplanetasedna.com.ar/leonardo_da_vinci.htm
S/A. “Miguel
Angel Buonarroti” [Publicación en línea] Disponible en http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/8818/Miguel%20Angel%20Buonarroti
Triunfó en
todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había
declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó, la pintura, casi
como una imposición por parte de Julio
II fue uno de sus más grandes retos hasta sus
últimos años cuando realizó proyectos arquitectónicos.
Uno de los retos que enfrentó Miguel Angel fue en marzo de 1505 cuando Julio II le encargó la realización de su
monumento fúnebre. Miguel Ángel proyectó un complejo arquitectónico y
escultórico monumental en el cual, más que el prestigio del pontífice, se enaltecía
el triunfo de la Iglesia.
Ambos genios del
Renacimiento, tienen una serie de semejanzas y diferencias entre sí en cuanto a
sus técnicas, temperamentos y métodos para hacer arte, esta comparación se
podrá realizar, analizar y observar en una obra que ambos llevaron a cabo de
una manera muy diferente pero con grandes semejanzas.
IV. MÁS
QUE ARTISTAS…GENIOS DEL RENACIMIENTO:
La
rivalidad entre Leonardo Da Vinci y Miguel Ángel Buonarroti es conocida. Es
posible encontrar semejanzas y diferencias entre ambos genios en cuanto a su
carácter, arte, ingeniería, arquitectura y otras de sus habilidades. La
ambición y la competencia era evidente y a pesar de tener un estilo muy
diferente es posible encontrar gran semejanza en sus trabajos.
El carácter de Leonardo,
serio, curioso y solitario, era tan diferente de la actitud de Miguel Angel,
rebelde, obsesivo y persistente mientras que ambos tenían en común ser
perfeccionistas y competitivos. La combinación de estas cosas creó una profunda
antipatía. Miguel Angel acusó a Leonardo de no acabar sus obras y ser un
artista poco persistente en la creación de algunos de sus trabajos.
V. MITO: “Leda y el Cisne”
“Uno de los atributos más
sorprendentes de Zeus es su capacidad para transformarse en cualquier forma que
elija. En sus seducciones de mujeres humanas, a menudo las atrae con la forma
de algún animal grande pero manso y finalmente cuando lo acarician, las domina
y las viola.
Leda, esposa de Tindareo de
Esparta, era otra de las amantes humanas de Zeus. Cuando caminaba junto al río Eurotas, fue
violada por Zeus, disfrazado de cisne. Como consecuencia, puso dos huevos de
los cuales nacieron cuatro hijos: Helena, Clitemestra, Cástor y Pólux, aunque
solo Helena y Pólux son considerados hijos de Zeus. Leda luego es divinizada
por Némesis, la diosa del castigo justo.
En las versiones más
antiguas, Leda simplemente encuentra un huevo en donde está el germen de
Helena, hija de Zeus y Némesis. En ese relato, Némesis trata de escapar de Zeus
mediante la metamorforsis, convirtiéndose en distintos animales para poder escapar
del dios, Zeus hace exactamente lo mismo y compensando cada cambio con el suyo
propio, hasta que finalmente ella se convierte en una oca y él la viola en
forma de cisne. Pone luego el huevo en un pantano en donde lo encuentra Leda.
En otras versiones, Zeus transformado en cisne y pretendiendo estar en peligro,
se refugia en el seno de Némesis y luego la viola. Hermes pone el huevo en los
muslos de Leda para que sea ella quien lo alumbre.” 3
S/A. “Mitologia Grecorromana” [Publicación en línea] Disponible
en: http://mitologiagrecorromana.idoneos.com/index.php/314477
VI.
LEDA Y EL CISNE SEGÚN LEONARDO Y MIGUEL ANGEL:
Leonardo
Da Vinci:
“Existen diversas formas de
expresar el mito de “Leda y el Cisne”, pero ninguna como la de Leonardo Da
Vinci, esto es porque sus trabajos siempre han tenido una peculiaridad que los
hace únicos. Su obra “Leda y El Cisne” data del año 1505, época del renacimiento,
su técnica óleo en tabla, se ignoran sus medidas y su ubicación ya que se
perdió el rastro y actualmente sigue desaparecida pero existen varias copias.”4
Da
Vinci representa a Leda, reina
de Esparta y a Zeus, representado
metafóricamente en cisne, a los pies de Leda se encuentran los cascarones que
ella ha puesto y de los que salen Helena, Clitemnestra y los dioscuros gemelos Cástor y Pólux.
El estilo de Leonardo está muy bien
reflejado. Según sus obras, ésta parece ser el único desnudo
femenino; muestra el interés de Leonardo por la antigüedad
grecolatina, tras, la obra maneja un
tema muy erótico esto se puede ver reflejado
en la desnudez de la joven representada
así como en su pose en contraposto (postura frontal sinuosa). Desde los pies rodeando todo el
contorno del cuerpo de Leda hasta la cabeza se pueden observar delicados y finos
rasgos, la sonrisa asomada con discreción mientras Leda sostiene el largo
cuello del cisne refuerza el tema erótico por la sonrisa entre inocente e
insinuante.
El toque Da Vinci se puede apreciar sobre
la perspectiva aérea, un método
con el cual se produce una sensación de profundidad en una pintura,
al imitar el efecto
de espacio que hace que los objetos se vean más pálidos, azules y nebulosos o menos
distinguibles a distancia media y lejana.
También se puede observar el segundo
plano que maneja como fondo y en primer plano las líneas de los contornos son
más marcados, a medida que la imagen se va alejando, pierde nitidez, se vuelve
un poco borrosa y difuminada como lo es en el esfumado, un efecto vaporoso que
se obtiene por aumentar varias capas de pintura extremadamente delicadas,
proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como un aspecto
de imprecisión y lejanía.
4.
Noé Pizzo, Adriana. La Leda y el cisne, Leonardo da Vinci. Editorial
Universitaria, 1987 - 54 páginas
Miguel Angel:
También perdida y probablemente, es
la pintura de Miguel Ángel sobre el mito de “Leda y El Cinse”
representando a una pareja haciendo el amor. La obra fue encargada en 1529 por Alfonso
I de Este, y llevada a Francia para la colección real en 1532.
La composición de Miguel Ángel, de
alrededor de 1530, muestra las tendencias manieristas de elongación y poses retorcidas, que eran famosas en
aquella época. []
La cabeza de Leda es el núcleo de la obra pues de esta parte del cuerpo la
obra se desarrolla. El cuerpo esta desproporcionado, tiene caderas muy anchas,
largas piernas y brazos musculosos con los que Leda recibe, amorosamente, al
cisne, lo que nos puede indicar que Miguel Angel no había estudiado a detalle
un cuerpo femenino.
La luz que
se percibe es muy poca y se puede observar principalmente en la cabeza mientras
disminuye tenuemente por su cuerpo, esto podría indicar una vez más que la
cabeza es el núcleo de la obra. La luz y las sombras son elementos importantes
de la obra pues se intenta plasmar un acto de abuso nocturno con pocas luces y
contrastes.
Las sombras
son más abundantes que la luz. aunque hay contrastes que remarcan la escena más
significativas cuando Leda recibe al cisne, en este centro hay mayor luz y
claridad entre los cuerpos con rasgos no tan claros y difuminados.
Se perciben
colores tibios como el rojo y el marrón mezclados con el blanco
marmoleado de Leda que se podría asociar a la luz, la bondad y la pureza. Los contornos están muy difuminados y no se distingue muy bien cuando
acaba un cuerpo y empieza otro, también se puede observar algo del volumen de
los cuerpos.
SEMEJANZAS Y DIFERENCIAS ENTRE AMBAS OBRAS:
El mito de “Leda y el Cisne” ha sido representado por dos de los más
importantes artistas en el Renacimiento. El mito pertenece a un tema clásico en el arte que ya solamente se conserva
por copias.
Como semejanza se puede percibir que
ambos artistas aportan una obra del mismo tema basada en el famoso mito pero
como diferencia es posible observar como lo llevan a cabo de una manera muy
diferente marcando su estilo y técnica característico.
Leonardo da Vinci comenzó a hacer estudios en 1504 para
una pintura, aparentemente nunca hecha de Leda sentada en el suelo con sus
hijos. Más tarde pintó una composición diferente del tema, con Leda parada,
desnuda acariciando al cisne con los dos pares de gemelos y los huevos
rotos. El original se ha perdido, probablemente destruido deliberadamente, y
fue registrado por última vez en el palacio real francés de Fonteainebleau en 1625 por Cassiano dal Pozzo. Sin embargo, es conocido de muchas representaciones copias
como la de Correggio, Tintoretto,
Matisse,
Paul Cézanne,
Dalí
con el cuadro Leda atómica, y muchos otros.
También perdida y probablemente destruida deliberadamente, es la pintura de
Miguel Ángel de la pareja conformada por Leda y el Cisne haciendo el
amor, encargado en 1529 por Alfonso I de Este para su palacio de Ferrara. La
composición de Miguel Ángel muestra las tendencias manieristas de elongación, un estilo que es subjetivo e inestable en
el que los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo permitido,
acercándose a la irrealidad y a la abstracción, también se pueden ver las poses retorcidas que eran famosas en aquella época.
En ambas obras la perfección es un aspecto que destaca en la búsqueda de un
cuerpo perfecto, esta búsqueda en la que ambos artistas utilizaban aritmética,
geometría, métodos lineales, observación y apertura de muertos.
La ambición y la curiosidad era
una característica de ambos artistas. El uso de sombras, el manejo de colores
como en la blancura marmoleada de Leda y ante todo el manejo de un tema erótico
es una semejanza entre ambas obras.
CONCLUSIÓN:
Leonardo Da Vinci y Miguel
Angel Buronarroti, más que artistas, genios del Renacimiento que marcaron una
época y aportaron grandes obras, que incluso en la actualidad siguen siendo
admiradas.
Dos artistas con un
carácter, temperamento y estilo diferente que finalmente se ve plasmado en el
mito de “Leda y el Cisne” con las características de cada uno.
A lo largo de esta
comparación surgen contradicciones:
Se decía que Miguel Angel,
un artista brusco, persistente y perfeccionista que prefería la escultura logró
presentar una extraordinaria representación pictórica a pesar de que la pintura
no era una de sus técnicas más acertadas.
Por otra parte, se presumía
que Leonardo Da Vinci no acababa sus obras, “Leda y el Cisne” es una prueba más
de que Da Vinci si era un artista persistente y acababa lo que terminaba con
respecto a la pintura.
“Leda y el Cisne” un mito
que llamó la atención de ambos genios es una prueba de que éstos dos artistas a
pesar de ser tan diferentes tenían intereses similares en los que se ve
plasmado la personalidad y estilo de cada uno de una manera muy peculiar en
rasgos, colores, texturas, volumen, luz, sombras y tema.
Es curioso observar cómo
cada uno de estos genios interpreta el mismo mito de una manera tan diferente
pero finalmente plasmando un mensaje el mensaje erótico que contrasta la
seducción y la violación, siendo que para una violación se debe de culminar el
acto sexual sin el consentimiento del afectado y sin la aceptación del acto,
mientras que para una seducción no es necesario que se de el acto sexual, solo basta
con que haya un acoso, molestia o incitación sexual como lo maneja la trama
principal del mito.
Finalmente, es importante
tomar en cuenta cómo es que la época y el lugar en el que se desarrollan ambos
artistas (Florencia Renacentista) es una de las influencias principales en estos
genios al ser una de sus semejanzas así como el haber sido aprendices que más
tarde se convirtieron en genios expertos obsesionados por la perfección y la
belleza.
BIBLIOGRAFIA:
·
Noé Pizzo, Adriana. La Leda y el cisne, Leonardo da Vinci. Editorial
Universitaria, 1987 - 54 páginas
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